El año 1945 resulta muy importante dentro de la historia del arte, ya que es el momento en el que hay un cambio dentro de las vanguardias, acabándose así el período de las llamadas vanguardias históricas para dar paso a unas nuevas tendencias. Esta fecha también resulta de importancia ya que es el fin de la segunda guerra mundial, lo que implicó una nueva división en el mundo y convirtiendo a Estados Unidos en una gran potencia mundial. Es en este país donde florecerán las nuevas vanguardias.
Aunque pareciera que la ruptura que se da en el arte es definitiva, no podemos considerarla como tal, ya que las postvanguardias, por llamarlas de algún modo, son reinterpretaciones de los lenguajes ya establecidos.
En este ensayo haremos un análisis sobre el pop art, una de esas nuevas tendencias, enfocándonos en su origen, características y principales exponentes. Para esto haremos un recuento histórico de ella y analizaremos algunas obras que consideramos como representativas.
El pop art surge a mediados de los años 50 en Inglaterra, aunque su mayor desarrollo se da en Estados Unidos. En principio, esta tendencia era discutida por un grupo de arquitectos, escritores, artistas e intelectuales que conformaron el Independent Group en el Institute of Contemporary Arts de Londres.[1]
Este grupo organizó una exposición en la Whitechapel Art Gallery titulada Esto es mañana. Aquí la obra que más destacó fue ¿Qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? De Richard Hamilton. Esta pieza es considerada como una de las bases de lo que sería el pop art ya que en ella usa la superposición de imágenes que tienen relación con la cultura de masas.
Paralelamente a este grupo, hubo una serie de artistas que estaban desarrollando una tendencia similar en Nueva York. En sus pinturas y esculturas mostraban a la cultura urbana, los anuncios, los cómics, la fotografía y el diseño. Muchas veces, lo hacían con un sentido crítico a la sociedad o de manera irónica.
El pop art podría considerarse como un reflejo de la sociedad estadounidense y una afirmación de ella. Además, esta tendencia permitió la construcción de la historia del arte de dicho país, dando cabida a artistas anteriores como Hopper o Frederick Edwin Church, quienes solían no ser reconocidos.
Este movimiento artístico, también contraponía la cultura popular con el mundo elitesco que se desarrollaba alrededor de las Bellas Artes. Para ello tomaban un objeto cualquiera, lo sacaban de su contexto y lo combinaban con otros para su contemplación. Estos objetos, por lo general eran provenientes de la publicidad o los libros de cómic, o cualquier otro elemento que se considere banal dentro de una sociedad.
Además, este grupo surgió como una reacción al expresionismo abstracto que se venía trabajando en Estados Unidos. Los artistas pop intentaban separar al arte de esa relación intimista entre obra/artista para convertirlo en una manera de mostrar la cultura popular del momento, por lo cual despertó muchas protestas.[2]
De hecho, se podría decir que el pop art retaba al expresionismo abstracto en tres aspectos específicos, estos son:
1. Era figurativo.
2. Era un planteamiento novedoso.
3. Era considerado más estadounidense ya que tomaba elementos de la sociedad y su cultura masiva para realizar sus obras.[3]
Sin embargo, esta primera idea de que el pop art es figurativo tiene sus matices, ya que a pesar de ello, no hace una mímesis de la naturaleza, como si se tratara de una obra del renacimiento. El artista pop procesa la imagen de alguna manera de modo que se aleja completamente del referente real para convertirlo en otra cosa, haciendo que el espectador se dé cuenta que está frente a una obra de arte.
Uno de los antecedentes más importantes de esta tendencia es el ready made de Marcel Duchamp y los planteamientos del dadaísmo, donde un objeto es extraído de su contexto para darle un nuevo significado. Gracias a esto, podríamos considerar al pop art como un neo dadaísmo. Otro antecedente es el collage, el cual fue inventado por los cubistas, y fue creado con la finalidad de estudiar las diferencias que existen entre representación y realidad.[4]
La combinación de los dos modos de hacer arte que mencionamos resultaron en la creación del arte de assemblage, el cual consistía en crear obras a partir de elementos preexistentes, donde el artista simplemente se encarga de unir las piezas de modo que respondan a la idea que se buscaba expresar.
Usualmente se suele señalar a Robert Rauchenberg y a Jasper Jhons como los iniciadores del movimiento. Sin embargo, entre los principales exponentes tenemos a Oldenburg, Warhol y Lichtenstein.[5]
Rauchenberg era un artista estadounidense, quien se acercó a la tendencia del pop a través del combine painting, la cual consistía en pintar una superficie y combinarla con objetos que se pegaban a ella, incluso tridimensionales, y las fotografías convertidas en serigrafías. Sus planteamientos estuvieron basados en la línea de trabajo de John Cage, quien consideraba que había que desenfocar la mente del espectador para inducirle una apertura y una adquisición de conciencia sobre sí mismo.[6]
En el caso de Johns, tenemos a un artista estadounidense, quien trabaja desde el concepto de la pintura como un objeto, más que representación. Es por esto que sus trazos o incluso la misma presentación de sus obras recuerdan al espectador que está ante una obra creada por un artista y no la realidad.
Dicho esto, pasaremos a hablar sobre Claes Oldenburg (1929), quien es un artista sueco pero que se desarrolló dentro de los parámetros del pop art estadounidense. Él es reconocido por elaborar estatuas colosales representando figuras famosas para el momento de su creación u otros objetos de uso cotidiano.
Usualmente, sus esculturas son colocadas en sitios públicos, edificios o ciudades donde su apariencia se convierte en una estructura arquitectónica. Un ejemplo de este tipo de obras es el de unas tijeras convertidas en un obelisco, el cual pretendía ser un sustituto del obelisco de Washington D.C. y buscaba demostrar la distancia existente entre la vida contemporánea y la historia del país.[7] A parte de realizar estas esculturas, Oldenburg también es reconocido por sus happenings y performances.
Otro artista que consideramos de gran importancia es Roy Lichtenstein (1923 – 1997), quien era estadounidense y es reconocido por sus dibujos en estilo de cómic. Algo que resulta muy particular sobre este artista es que previo a la adopción del pop era un ávido seguidor del expresionismo abstracto.
Las obras más reconocidas de este autor son aquellas que representan rostros de mujeres en situaciones comunes, representadas con unos gruesos trazos de color negro y pintadas en colores puros. Además, son mostradas en forma de cómic ya que los mensajes que dan al espectador se encuentran dispuestos del mismo modo que los de las historietas.
Finalmente, tenemos entre este grupo de artistas a Andrew Warhola (1928 – 1987) o mejor conocido como Andy Warhol, quien es considerado como uno de los artistas líderes del movimiento del pop art.
Warhol tiene dos etapas durante su vida artística. La primera corresponde con el arte comercial, el cual consistía en las ilustraciones que realizaba para revistas y otros proyectos publicitarios. Su segunda etapa está basada en lo que se podría considerar como Bellas Artes, y corresponde a la obra creada para ser exhibida en galerías.
Entre sus obras más destacadas están la ilustración que realiza de una lata de sopa de tomate marca Campbell’s y una serigrafía con el rostro de Marilyn Monroe coloreado con tonos brillantes y contrastantes, realizado poco después del suicidio de la actriz. Esto último corresponde con la actitud provocadora del artista y cómo ironizaba los objetos o figuras de mayor relevancia para la cultura estadounidense.
Dicho esto, pasaremos a analizar las obras ¿Qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? De Richard Hamilton, M-maybe de Roy Lichtenstein, Giant Fagends de Claes Oldenburg y Campbell’s soup can I de Andy Warhol.
En la obra de Hamilton nos encontramos frente a un collage en el que están representados dos personajes. El primero es un recorte de un fisicoculturista que lleva en sus manos una chupeta roja con la palabra POP escrita en color amarillo. Este es el personaje que capta nuestra atención cuando nos acercamos por primera vez a la obra.
Richard Hamilton
¿Qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? (1956)
Collage, 26 x 25 cm.
Tubinga, Kunsthalle Tübingen
Junto a este protagonista, nos encontramos con una mujer, que por su aspecto podríamos relacionar con la imagen de desnudista, que se encuentra sentada en el sillón de la sala en la que se disponen los personajes.
Ambos personajes se encuentran representados en un espacio que por su construcción podríamos determinar como la sala de un hogar. Lo que resulta particular de este lugar es que está construido a partir de recortes en el que se representan tanto objetos como personajes de la vida cotidiana para el momento.
Entre todos estos recortes resalta el cuadro que se coloca en el fondo, el cual corresponde con la portada de las conocidas pulp magazines[9], las cuales, a su vez son hechas con la técnica del collage, y algunos críticos podrían considerarlas como un antecedente de lo que sería el pop art.
Al estar representada una sala de una familia cotidiana, vemos cómo Hamilton se preocupa precisamente por este hecho y lo inserta dentro del mundo del arte. Es por esto que vemos, a su vez, la televisión, la grabadora o el anuncio de una película a través de lo que sería la ventana.
También resulta particular cómo inserta objetos que podríamos considerar como publicidad, estos son el logo de la marca de automóviles Ford, el jamón de una marca reconocida para el momento y una ama de casa subiendo la escalera demostrando qué tan útil puede ser una aspiradora para cualquier familia.
A pesar de tratarse de una collage, vemos que hay una armonía cromática, ya que a pesar de que los elementos provienen de distintas publicaciones, el autor cuida estéticamente la pieza para que el espectador de cuenta de todos los detalles mencionados anteriormente y no choque con los colores que componen la obra, haciendo que se pierda de vista la idea a la que quiere llegar el autor.
Dicho esto, pasaremos a analizar la obra M-maybe de Roy Lichtenstein en la cual está representada a modo de cómic una mujer joven rubia que se encuentra en una posición melancólica.
Roy Lichtenstein
M-maybe (1965)
Magna sobre lienzo, 152 x 152 cm.
Colonia, Museum Ludwig
Esta pieza resalta por sus gruesos trazos y una selección de colores primarios (amarillo, azul y rojo), complementados con el blanco y el negro. Algo que resulta muy interesante es el hecho de que el artista usa distintas técnicas para rellenar las figuras, como son los colores dispuestos de manera sólida o por medio de puntos. Esto último da un efecto de matices dentro de la composición, aunque en principio, el artista los usaba porque era un vestigio de los dibujos propios de los cómics de la época.
El texto que acompaña a la mujer da cuenta de la preocupación del personaje, es alguien que fue embarcado por otra persona, quizás una cita romántica. Este hecho no resulta particular, sino cotidiano, es algo por lo cual puede pasar cualquier persona y sensibiliza al espectador al momento de enfrentarse con la pieza. Una vez más vemos como lo común, lo popular se convierte en una obra de arte.
El hecho de que Lichtenstein trabaje con el cómic no resulta fortuito, ya que el manifestaba que quería mejorar la vulgar estética del cómic para convertirlo así en arte.[11]
Un hecho que resulta particular es cómo dibujaba sus personajes, porque su técnica recuerda a la de los murales. Esto se debe a que usaba un proyector de diapositivas para dibujar al personaje en el lienzo, y con esto buscaba establecer una analogía entre el mundo de la reproducción mecánica y lo trivial de los sentimientos.[12]
Continuaremos con el análisis de la obra Giant Fagends[13] de Claes Oldenburg, en la cual están representadas unas colillas gigantes de cigarro sobre una especie de cenicero, que actuaría como pedestal de la obra.
Claes Oldenburg
Giant Fagends (1967)
Lienzo, espuma de uretano, madera, 132 x 244 x 244 cm.
Nueva York, Whitney Museum of American Art
La variedad de colores usada por el artista es mínima, porque al representar objetos reales se ciñe únicamente al blanco del papel, el marrón claro del filtro y el marrón oscuro de la parte interna de los cigarrillos. La base a su vez es de color blanco, lo cual hace que resalten las colillas y ella quede a penas como un elemento secundario.
Oldenburg, a través de su obra busca poner al descubierto los rasgos monstruosos de lo cotidiano, los objetos corrientes y los artículos de consumo más habituales.[15] De hecho, el espectador, al enfrentarse con la obra no reconoce inmediatamente el objeto representado, es luego de cierto tiempo de contemplación que se da cuenta que está frente a un objeto banal convertido en una pieza.
El material de esta obra es la espuma de uretano, algo completamente artificial, que al colocarse sobre el pedestal adquiere la connotación de escultura y por lo tanto se convierte en obra de arte. De hecho, Oldenburg es reconocido por esto: ennoblecer lo trivial convirtiéndole en arte.
Por último tenemos la obra Campbell’s soup can I de Andy Warhol, en la cual el artista nos representa una lata de las famosas sopas de tomate marca Campbell’s. Esta obra resulta particular porque demuestra lo mecánico del arte de Warhol. Este creador no realizó una sola obra sobre este tema, sino que realizó 32 ejemplares idénticos mediante la técnica de la serigrafía.
Andy Warhol
Campbell’s soup can I (1968)
Pintura acrílica, serigrafía sobre lienzo, 92 x 61 cm.
Aquisgrán, Newe Galerie – Colección Ludwig
El espectador al enfrentarse a esta obra, se encontrará con la representación de una lata, la cual está pintada con colores blanco y rojo y algunos detalles en ocre, gris y negro, siendo estos dos últimos los que dan cuenta de que el espectador se encuentra frente a una lata y no ante cualquier otro objeto.
A pesar de estar representada una lata tomada de un referente real, el espectador se da cuenta de que está frente a una obra de arte y no del objeto real, ya que Warhol, a pesar de reproducir todas las características del objeto, lo caricaturiza hasta cierto punto, haciendo que el espectador se encuentre frente a un artículo descontextualizado.
También podríamos considerar la representación de estas latas de sopa Campbell’s como un modo de ironizar al mercado del arte, quienes, de manera paradójica, eran los principales impulsores del pop art. Esta ironización llegó a tal punto que el artista dispuso las piezas de la misma manera en que se ofertaban en un supermercado: juntas y con la misma distancia entre ellas.[17]
El hecho de que el artista escogiera esta marca de sopas en particular también tiene que ver con que eran un producto dirigido especialmente a la clase media de la sociedad estadounidense, por lo tanto, son un reflejo de lo que era popular para la época.
Como pudimos ver, el pop art es un movimiento artístico que recoge fragmentos de la sociedad para criticarlos, ironizarlos o enaltecerlos, si pensamos en la obra de Oldenburg, por ejemplo. A su vez, el pop es una reinterpretación de los lenguajes creados por diversos artistas correspondientes a las vanguardias históricas.
Finalmente podemos decir que el pop art es considerado una de las últimas vanguardias que dan pie a lo que se conoce hoy en día como arte postmoderno.
[1] K. Honnef, Pop Art, p. 6. [2] E. Lucie – Smith, Movimientos en el arte desde 1945, p. 119. [3] E. Lucie – Smith, Op.cit., pp. 149 – 150. [4] E. Lucie – Smith, Op.cit., p. 119. [5] G. Dorfles, Últimas tendencias del arte de hoy, p. 99. [6] Edward Lucie – Smith, Op.cit., pp. 122 – 123. [7] T. Osterwold, Pop Art, p. 193. [9] Las revistas pulp o las pulp magazines son publicaciones periódicas de cómics de bajo costo que se dieron entre finales del siglo XIX y hasta los años 50. Estas revistas son llamadas de este modo ya que usaban un papel económico y por lo tanto de muy baja calidad. De hecho, las impresiones a color era únicamente para las portadas, y el resto era un simple cómic a blanco y negro en el que se daba vida a diversos personajes, entre los cuales resalta El Zorro o Conan el Bárbaro. [11] K. Honnef, Pop Art, p. 52. [12] Loc.cit. [13] Significa Restos gigantes. [15] K. Honnef, Op.cit., p. 60. [17] Este modo de disponer los objetos se denomina posicionamiento de mercado.
Bibliografía
· Dorfles, Gillo. Últimas tendencias del arte de hoy. Barcelona: Editorial Labor, S.A., 1973.
· Honnef, Klaus. Pop Art. Colonia: Taschen, 2006.
· Osterwold, Tilman. Pop Art. Italia: Taschen, 2003.
· Smith, Edward Lucie -. Movimientos en el arte desde 1945. Thames & Hudson, 2001.
Fuentes de las imágenes
· Art Tattler. Enero de 2011. http://arttattler.com/archiveoldenburgvanbruggen.html (último acceso: 14 de Enero de 2011).
· Escuela técnica superior de arquitectura: Universidad de Sevilla. Historia, teoría y composición arquitectónica.Octubre de 2008. http://htca.us.es/blogs/perezdelama/2008/10/ (último acceso: 14 de Enero de 2011).
· Guardado, Isabel de la Lastra. paraenmusicarte. 21 de Junio de 2010. http://paraenmusicarte.blogspot.com/2010_06_01_archive.html (último acceso: 14 de Enero de 2011).
· Lo pasamos bien, nos portamos mal. Diciembre de 2010. http://2.bp.blogspot.com/_mH2NK7vm9s4/SeQGoDNvWgI/AAAAAAAAAJQ/hVmCbBktN8k/S660/andy-warhol-campbell_soup-can-121207-1.jpg (último acceso: 14 de Enero de 2011).
Nota de la autora:
Este es un ensayo escrito para la asignatura Elementos de Comunicación Visual, de la Escuela de Artes, mención Artes Plásticas de la Universidad Central de Venezuela, Caracas.
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